築樂集室內樂團

 
 
 

 
 

德弗札克對於民族音樂的興盛，擁有極其偉大的貢獻，他不但是波希米亞國民樂派的繼承者，同時也是民族音樂的發揚者，其在音樂上的地位，可說不亞於當年的韓德爾及莫札特。
德弗札克是個學者型的音樂家，雖說脾氣不甚佳，但純樸善良，個性溫厚，是宜室宜家的好丈夫與好爸爸，受到大家的尊重，勤於作曲，其作品種類繁多，交響曲與室內樂是他創作系列中的主流作品，對於捷克後進的作曲家深具影響。
  
這位恭謹謙遜音樂家的作品中，充滿了對祖國，對大自然，對宗教的愛。德弗札克最受歡迎的管弦樂作有著光輝奪目的色彩，交響曲則受古典樂派影響，有著堅實的組織架構，充分發揮了器樂的特性與美妙的組合。雖然他受諸多前輩音樂家如貝多芬、華格納、布拉姆斯以及史麥塔納的影響，但其作品仍舊反映出他的性格，洋溢著強烈的波希米亞精神、鄉土情懷與大地之愛，始終堅持走自己的道路。
德弗札克與史麥塔納一樣，都認為運用音樂來讚頌自己的祖國是義不容辭的責任，鼓勵人民對未來有更美好的信念，更是自己的神聖使命。但在對待民間音樂素材方面，史麥塔納僅偏重於捷克本地的民間音樂，但是德弗札克並不以此為滿足，不但注意到捷克的音樂元素，也將目光投射到摩拉維嚴和斯洛伐克，更加重視斯拉夫各民族間的相互關連及聯繫。當然，德弗札克繼承史麥塔納的志業，將自己國家民族的面貌和民歌引入捷克音樂創作的傳統發揚光大，持續往高峰發展，這也是他音樂事業最成功之處，也是他最受後人欣賞讚嘆的地方。
 
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Dvorak :Cello Concerto in Bminor
德弗札克《b小調大提琴協奏曲》

 
  

《新世界交響曲》融合了黑人靈歌和印第安的音樂與美國民謠，以及波西米亞田園風味的蘭特勒與波卡舞曲，共有四個樂章，第一樂章有三個主題，分別與三首美國民謠或黑人靈歌有共通之處；管弦樂的奔騰，猶如美國拓荒時的壯麗自然景觀。第二樂章的，就像在外多年的遊子訴說思鄉的心情。第三樂章為一詼諧曲，帶著波希米亞農村的樸素韻味。終樂章則澎湃著原始的熱情，粗獷而生猛，最後在雷霆萬鈞的氣勢中劃下休止符。其中第二樂章與第三樂章中的旋律，是他在美國詩人隆菲勒（Henry Wadsworth Longfellow）描述印第安神話英雄海華沙的長篇故事《海華沙之歌》（The song of Haiwatha）中得到的作曲靈感。在第二樂章中，於一小段簡短的導奏後，即由英國管吹出悠遠哀怨、充滿鄉愁的甜美旋律，那就是現在大家耳熟親切的《念故鄉》合唱曲，中文歌詞是李抱忱先生所寫。合唱曲的出現，是由於德弗札克的學生後來取出此段音樂改編成歌曲演唱，後來傳頌到世界各地，出現好幾十種語文的歌唱版本，因此成為家喻戶曉的世界名曲。
加入美國本土元素的作曲式法，加上紐約大都會的巨大文化衝擊，對德弗札克來說，都是前所未有的創作體驗，使得《新世界交響曲》宏偉壯麗，充滿活力與希望。1893年12月15日於紐約卡內基音樂廳首演時，盛況空前，獲得前所未有的成功。德弗札克自己則說，如果他從沒有深刻體驗過美國，勢必無法寫出這樣的作品。當然這也要歸諸於他所任職的音樂學院，基本上並無種族歧視存在，所以他可以毫無顧慮地直接接觸黑人與印第安人，進而了解其情感特質與音樂素材，匯聚這些體驗，德弗札克才能以強烈的美國式精神，創造出風格豐富的獨特音樂。
基於自身的體驗，德弗札克曾經對美國音樂前途如此評述道：「我深信美國音樂的前途，在於黑人韻律，以此為基礎，可發展出正規的特色音樂，亦能成為美國音樂流派。那些美好的不同主題，是本土的產品。那是美國的。…你們的作曲家，必須使用這些民歌，表達出人民的真正情感。…我發現發展美國黑人音律所需要的，只是一所偉大的音樂學校。在這些民歌中有哀怨、柔和、熱情、憂鬱、嚴肅、虔誠、勇敢、快樂、歡欣與優美，任君擷取，所需要的創作主題，在這裏沒有找不到的。」
 
本來德弗札克在美國的聘期僅有兩年，後來因為表現成功所以又順延兩年。不過德弗札克只待到1895年4月就整裝回國，原因應該是學院創辦者莎芭夫人經歷財務危機後，財力大不如前，結果連德弗札克的薪資也被多次被拖欠。更重要的原因，是德弗札克難耐思鄉之苦，因此片刻不停留地匆匆返回捷克。
德弗札克在自己鄉間的別墅平靜地住過了幾個月，到了11月才再次回到布拉格音樂學院。他也曾思考過搬到維也納發展的打算，以他的名聲，在維也納得到一份氣派的工作應該不成問題，但最後他並沒有將這個計畫付諸實現。他在這段期間，創作完成自己最後一部絃樂四重奏。
1895年完成的《b小調大提琴協奏曲》，是德弗札克晚年最成功的作品之一。起寫於美國任教期間，但積極創作此曲時，德弗札克已經回到捷克，這時卻接到初戀情人約瑟芬去世的不幸消息，因此他採用約瑟芬生前喜歡的《四首歌曲》中第一首的旋律寫了兩個變奏，放在大提琴協奏曲的第二樂章與最終樂章中，以茲紀念與哀悼。後來又將這部協奏曲題獻給捷克大提琴家哈努雪．威漢（H. Wihan）。
這部被尊稱為「世界三大大提琴協奏曲」之一的名作，與《新世界交響曲》以及弦樂四重奏《美國》一樣，也結合了波西米亞的熱情與美國民歌的精髓，都表現出對美國民間音樂、印地安民謠，和黑人靈歌等深切的關懷。全曲共分三個樂章，在濃厚的民族風格中，創作手法細膩同時又自由灑脫。為了紀念初戀情人約瑟芬而寫的變奏，於曲中真情流露，尤其是第二樂章〈讓我獨處〉的旋律，由大提琴以豐潤渾厚的音色，在中低音區裡表現摯愛之情，最後又深情款款地拉出如同輕聲耳語般的結束，令人心神蕩漾，回味不已。布拉姆斯曾公開稱讚這部作品，認為若不是表露出內心深邃的情感，很難創作出這樣令人印象深刻的樂曲。
布拉姆斯這時已經罹患癌症，臥病在維也納。想起故舊對他的知遇之恩與提掖之情，德弗札克趕往探視，在1896年末最後一次探望之後，布拉姆斯也去世了。次年4月6日，德弗札克參加的已是布拉姆斯的葬禮。就在此際，突然接獲奧地利政府通知，聘請德弗札克出任國家音樂獎的評審。22年前，德弗札克曾經在布拉姆斯的力挺下獲得同項獎金，這是決定他後來發展最關鍵的事件之一。這件事讓德弗札克在悲哀之餘，也覺得有一絲絲安慰，至少他繼承了布拉姆斯的重任，能繼續為培養下一代優秀音樂家而努力。
 
自1898年之後，德弗札克的重心再度回到歌劇的創作。包括《交換新娘》（The Bartered Bride），根據於捷克神話所寫的《凱蒂與魔鬼》（Kate and the Devil），以及《魯莎卡》（Rusalka）接連推出，並且都大獲成功。
《魯莎卡》可說是音樂史上最動人心弦的美人魚故事之一，完成於1900年，劇情揉合改編了《安徒生童話》以及曾經出現過的所有水妖傳說，成為德弗札克最成功的歌劇作品。劇中的美人魚魯莎卡，並不是現身海底，而是居住於湖泊中，同樣在愛上一位王子之後，寧願放棄榮華富貴轉化為具備靈魂的人身，為此求助於巫師而終能如願，但代價是不得出聲說話，而且一旦若遭王子拋棄，勢將遭受悲慘的後果，除非她能取走王子的生命，才能獲得救贖。後來王子果真移情別戀，魯莎卡竟不忍取他性命，回到湖中靜靜等待自己的悲慘結局。沒想到王子反倒良心發現，四處找尋魯莎卡，並且來到湖邊呼喚魯莎卡，請求得到她的原諒，然而一切都已為時太晚，最後王子投入湖中，在魯莎卡的懷抱中死去。德弗札克為此劇譜寫出戲劇張力十足的旋律，第一幕魯莎卡的詠嘆調〈月亮高升於深邃的的夜空之上〉堪稱歌劇史上最動聽的旋律之一。藉由美人魚和水妖的傳說，德弗札克刻劃了人類對於純真、無私愛情的期盼，感動人們的心靈。
1901年，德弗札克被改聘為布拉格音樂學院院長，不過他一貫不愛打理行政事務，所以院長一職充其量只是掛名而已，校務其實都由他人負責。這一年，奧匈帝國皇帝約瑟一世也頒授給他藝術科學榮譽勳章，並獲得奧國政府選他進入上議院成為終身議員，他是音樂家中獲得此項殊榮的第一人。
1904年，德弗札克最後一部歌劇《阿爾米達》（Armida）完成及公演，不過聽眾的反應卻異常冷淡，德弗札克為此難過了好一陣子。而在《阿米達》首演的那一天，德弗札克因腿部疼痛不耐久坐，不得不中途離席。幾天後他患了感冒，只能臥在床上休息。一直拖到年5月1日，因為心臟衰竭辭世，享年63歲。逝世後的第四天，捷克為他舉行了國葬，舉國哀悼，許多聞人為他扶柩，更有許多民眾主動齊集在街道上，送這位偉大的民族音樂家最後一程。

 
 

已屆不惑之年的德弗札克雖已榮耀滿身，但是還是常覺得有些小苦惱，由於衣食生活所需，違背自己的創作動機而向現實低頭，去迎合時尚需求的例子俯拾皆是。當他感到苦惱之際，愛妻安娜會勸他到外面散步。這時，他會點起一支雪茄，然後信步走進車站去看他自小即酷愛的火車，在車站裡他總是仔細的端詳火車的外貌，然後又觀察車體內部的機器構造，最後帶著喜悅無比的童稚微笑，在輕輕讚嘆聲與口哨聲中滿足的返回住所。所以布拉格的所有的機關車頭，無論是型號或行車時刻表，德弗札克都瞭如指掌，甚至與不少火車駕駛員成為好朋友，偶而沒辦法抽身前往車站時，他也會派學生去幫他看火車並作成記錄，察看班車是否準時入站，若誤點則必須詳查誤點原因回報。同樣基於愛好先進機器的緣由，德弗札克也喜歡上了大汽船。據說在1884年，當他應邀前往英國時，其所乘坐的大汽船，頓時成為他的心愛之物。即使後來赴紐約就任音樂學院院長時，也時常在紐約周邊的碼頭徘徊，並且用心的研究紀錄從不同國家抵達的各類型船隻。迷戀火車與汽船，真的是這位大音樂家非比尋常的嗜好了。
第一次倫敦之行後，更加忙碌的德弗札克在辛勤之餘，經常偕妻子安娜到大姨子約瑟芬夫家柯尼茲伯爵的府邸渡假，府邸座落在布拉格西南方60公里處的威茲夫利，風光明媚。德弗札克非常喜愛這裡的田園景色，後來他也在那裡蓋了一棟別墅，除了受邀任教美國期間，他們只有冬季會待在布拉格，其它時間則幾乎都住在這裡，德弗札克甚至在此地還以養鴿子為樂。
1889年6月，德弗札克獲奧國政府頒授鐵皇冠爵士榮銜，同年稍後，布拉格的查理大學授予他榮譽音樂博士學位。在法蘭克福的舉行演奏會也獲得極大成功。同時由於柴可夫斯基的關係，德弗札克應俄國皇家音樂協會的邀請遠赴俄國，在莫斯科和聖彼得堡指揮演出自己的作品，那裡的觀眾，特別是德國和捷克旅居當地者，反應極其熱烈。
 
多次訪英的成功，讓劍橋大學在1891年也頒給德弗札克榮譽博士學位。此時布拉格音樂學院提出聘請他擔任作曲學與器樂演奏教授的建議，不過卻遭他拒絕，直到後來才勉為其難的接受。原因據說是因為他與自己長年合作的出版商辛羅克發生爭吵，德弗札克急需現金來支付甫創作完成的《第八交響曲》（Eighth Symphony）的出版，所以才願意任教。
《第八交響曲》創作於1889年夏秋之間，在德弗札克的鄉間別墅完成。德沃夏克所有交響曲中，這部作品的內容與他個人牽連最多，也因此最為獨特。與《第七交響曲》激烈衝擊和感傷懸念完全不一樣，此作反映的完全是平靜的心境以及歡樂與自傲的感覺，與德弗札克此時的心境和體驗至為交關。聆賞這部作品時，仿佛可以分享德弗札克直接面對大自然中所獲得的新鮮明朗而愉悅的感受。在樂曲中，德弗札克毫不猶豫地將一直鼓舞和哺育他的捷克民間音樂元素直接聯繫，整部作品蘊藏對鄉土大地與人民及藝術的熱愛之情，音符就像是從波希米亞的原野和捷克民間毫無保留的跳出來似的。除了原野鄉土的情懷，主題也具有史詩般宏偉的氣息，甚至接近永恆的莊嚴，使此作不但具有田園詩般的情調，也兼備了英勇的戲劇性，因此也有人把這部作品喻為捷克的「英雄交響曲」。後一程。
1891年春天，德弗札克接到紐約國民音樂學院創辦者珍妮特‧莎芭夫人（Mrs. Jeannette
Thurber）的邀聘，擔任為期二年的音樂院學院長，年薪1萬5,000美元，相當於3萬荷蘭盾（相較之下，他在布拉格音樂學院的待遇僅有年薪1200荷蘭盾），而且每年僅需授課八個月，有四個月長的假期，但也必須每年指揮六場自己作品的音樂會。待遇雖然算是優厚，但德弗札克仍然思考了許久，薪俸雖然讓他大為動心，不過他更在乎的是音樂本身。他聽聞紐約國民音樂學院效法巴黎音樂學院，規模偉大，前景看好，而且對於貧寒天才學生，採取免收學費的培育政策。更吸引人的是，新興的美國，其實是實踐民族音樂最理想的地方。德弗札克也認為旅居美國之後，既可安定生活又有時間創作，還可將自己的作品與捷克民族音樂介紹給新大陸，何樂而不為，也終於同意了這個聘約。
德弗札克與家人在紐約
 

 
 

從1865年開始，除了在國家劇院的音樂演出工作外，德弗札克也利用空檔去當家庭音樂教師賺取外快。他其中兩位學生是布拉格金飾商傑馬可瓦（Čermáková）的女兒，不久他愛上了在劇院擔任演員的姊姊約瑟芬（Josefína Čermáková），可惜落花有意，流水無情，屢遭約瑟芬拒絕，最後約瑟芬嫁他人為婦。德弗札克的傷心成為創作的泉源，讓他寫成了《絲柏歌曲集》（Cypress Trees）。
過了幾年之後，德弗札克轉移注意力，又與剛出道的女低音歌手妹妹安娜（Anna Čermáková）親近，雖然兩人情投意合，但他結婚的請求卻遭到安娜雙親的反對，原因是德弗札克實在太窮了。直到1873年他發表了新作《白山的繼承者》（The Heirs of the
White Mountain）的清唱劇大獲好評之後，安娜的雙親讚嘆他的才華才點頭同意。就在這一年秋天的11月17日，兩位有情人終成眷屬，締結連理，當時安娜年僅18歲。他們一共育有九個孩子（其中三名夭折）。
德弗札克與安娜
 
《白山的繼承者》於1873年3月間在布拉格首演，由史麥塔納親自指揮。雖然作品並不算太傑出，但由於這齣清唱劇採用哈雷克的愛國詩作為歌詞，激發了捷克人的民族情操，成為當時捷克家喻戶曉的名作，各界也給予大力喝采。在自己作品終於登上國家劇院的舞台後，讓德弗札克得到至高的安慰與鼓勵。
其實，德弗札克從幾年前就開始認真創作了，為了專心一致，他於1871年7月辭掉樂團演出工作，只為了有更多時間作曲。1870年時他已寫成第一部歌劇《阿爾弗雷德》（德語劇作），惟此劇在他生前都不曾獲得公演的機會，因此可看成是他的試作品。第一部真正讓觀眾接受的作品是歌劇《國王與燒炭工》（捷克語劇本），只是此劇的發展並不盡如人意，1873年國家劇院已經開始排演，但是後來卻不得不中斷，原因是這部歌劇被認為太艱難而不可能演唱。為此，德弗札克將全劇重新審視改寫，完全拋棄了新德國音樂學派那一套固定的作曲方式。拜《白山的繼承者》成功之賜，《國王與燒炭工》很快就得到演出機會，於1874年首演，結果也大受歡迎而成功。
結婚之後，為了讓家中老小生活無虞，德弗札克從1874年開始到私立音樂學校兼差授課，另又獲得聖亞伯特教堂（St Adalbert Church）聘任為管風琴師兼詩班長的專職工作，儘管年薪只有區區126鎊，這個職位他一直保有至1877年為止。
德弗札克的名聲逐漸於布拉格樂壇發光發亮，同時其聲望也開始遠播到全歐洲。那時，奧地利教育部為了發掘清貧的青年天才音樂家，每年懸賞獎金400鎊，以鼓勵資優音樂家專職創作。德弗札克知道這個消息後，極為興奮，在取得市政府的貧困證明後，他送出三首作品參賽。1875年2月，德佛札克首次獲得這份獎金，不僅抒解他部分的經濟壓力，也是對他音樂成就的認可。
 
為此德佛札克的信心大增，精神更為振作，許多佳作陸續從他筆下寫出。一直到1877年，德弗札克連續三年參加奧地利政府音樂獎金競賽，他的作品得到評判翰斯萊克（Eduard Hanslick）和布拉姆斯（Johannes Brahms）的賞識，結果三年都獲得獎金鼓勵。
在布拉姆斯建議下，德弗札克同意讓作品公開印行，布拉姆斯並且透過個人關係，介紹德弗札克給柏林出版家辛羅克（Fritz Simrock），由旗下的吉姆洛克出版社為他發行《莫拉維亞二重奏》（Moravian Duets）與《斯拉夫舞曲》（Slavonic Dances）。作品出版後，柏林音樂評論家一致好評，德國報刊的樂評一面倒地叫好。直到目前仍常被廣泛引用的例子是評論家路易‧埃爾伯特對他的評價：「最終，這裡出現了一個百分百的天才，而且是一個嶄新的、十足的天才。」從此德佛札克平步青雲，成為享譽國際的音樂家，也開始了他持續20年的巡迴演出生涯，足跡踏遍了歐洲大陸，英國，最終橫越大西洋到新大陸。
布拉姆斯對德弗札克的器重與提拔非僅如此，對其協助可說不餘遺力。運用自己的知名度及影響力，布拉姆斯敦請維也納的音樂家們努力演奏德弗札克的作品，同時在創作上也提供德弗札克直接的建議，還將自己的經驗與心得分享給德弗札克作為參考，德弗札克顯然從這些指導中獲益匪淺。例如在創作主題動機的發展，樂曲節奏的細小變化，以及各樂章間如何達到平衡等方面，布拉姆斯都曾影響過德弗札克，使他的的音樂更加精確洗鍊。兩人的關係亦師亦友，互相提攜，後來德弗札克曾將布拉姆斯的《匈牙利舞曲集》改編為管弦樂，布拉姆斯也義務性的代為校對德弗札克的《新世界交響曲》草稿。這份真摯的感情，一真維持到布拉姆斯去逝為止。
《斯拉夫舞曲》基本上也是由布拉姆斯直接催生的作品。原來，在布拉姆斯絞盡腦汁極力推銷德弗札克時，突然想到自己過去曾以《匈牙利舞曲》大獲成功，因此他建議德弗札克創作一些「富有鄉土色彩的舞曲」。在這個背景下，德弗札克起而效仿，先是在1878年寫出op.46的8首舞曲，接下來在八年後的op.72，再繼續完成另8首舞曲，前後共16首之多。原先《斯拉夫舞曲》是為鋼琴聯彈所作，之後改編成管弦樂曲更大受歡迎。
 
此刻，在奧地利已掀起一股德弗札克熱潮，除了「小提琴之王」姚阿幸（J. Joachim）極為推崇德弗札克的作品外，維也納愛樂總監兼指揮李希特（Hans Richter）從1879年指揮德弗札克的新作《斯拉夫狂想曲》（Slavonic Rhapsodies）後，也成為忠實擁護者，並且直接提出要求，請德弗札克創作《第六交響曲》（Symphony No. 6）以便讓維也納愛樂在1880年底進行首演。（此議後來未能成真，因為部分愛樂團員抵制，此曲最終安排在布拉格由捷克愛樂首演）從此而後，每一次李希特所指揮的音樂會，幾乎也都會安排德弗札克的作品演出。即使是德佛札克在1887年翻出九年前的舊作交響曲《變奏集》（Symphonic Variations），交給德李希特在倫敦交響音樂節演奏，堅決擁戴德弗札克的李希特還是如獲至寶，對外公開說：「我平生指揮過幾百次演出，從沒見過任何新作品，竟能如此成功。」
1880年，德弗札克創作了《吉普賽之歌七首》（Seven Gipsy Songs），皆取材於波西米亞詩人海杜克（Heyduk）描寫憧憬吉普賽人自由生活的詩篇。其中第四首〈母親教我的歌〉(Kdyz men stara matka
zpivat ucivala, The Songs My Mother Taught Me)流傳最廣，曲調溫和親切，略顯傷感，波西米亞風格強烈，顯露出帶有濃重鄉愁卻又富有旋律優美的獨特魅力。
1882年4月間，倫敦水晶宮音樂廳及聖雅各音樂廳先後演出德弗札克在的作品《吉卜賽旋律》（Gypsy Melodies）、《狡猾的農夫》（The Cunning Peasant）、《傳奇》（Legends）等，獲得英國音樂圈的熱烈迴響。維也納皇家歌劇院與英國交響樂團紛紛跨海邀請德弗札克為他們樂團的特別慶典專門作曲。1883年他的舊作《聖母悼歌》（Stabat Mater）在英國倫敦由巴培指揮公演唱，仍然轟動英倫三島。在這些熱烈成功的基礎上，倫敦愛樂協會與亞伯特皇家合唱協會乃聯袂邀請德弗札克往訪英國，親自演奏他自己的作品，於是開展了前後共九次的英倫巡迴訪問演出之行。德弗札克於1884年3月抵達達倫敦，親自指揮了《聖母悼歌》、《第六交響曲》、《斯拉夫狂想曲》等作品，馬上又在英國掀起一陣旋風，激發觀眾強烈的熱情與樂評家的讚嘆。
英國之行，不但豐富了德弗札兄的工作與生活經驗，也開闊了他的視野及格局，使其作品呈現出更為深度的風貌。此外，德弗札克也成功地將捷克文化宣揚至國際間，讓波希米亞的音樂，更廣為人所熟悉，所以俗語云：「三個波希米亞人同行，必有一位音樂家。」正代表了捷克音樂當時受歐洲各地歡迎的程度。
 
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Dvorak : Slavonic Dance Number 1
德弗札克《第一號斯拉夫舞曲》

 
 

安東尼‧里歐帕得‧德佛札克（Antonín Leopold Dvořák）於1841年9月8日出生在美麗的小村莊尼拉荷瑟維斯（Nelahozeves）一個不甚富裕的家庭，祖父早在1818年就來此地以經營客棧為業，整個家族都愛好音樂，並且每個成員都會演奏一手好樂器，常常在自己的旅館中玩興演奏。
父親福蘭提瑟克（František Dvořák）繼承祖業經營客棧，兼營肉舖為生，他的母親安娜‧史黛妮克（Anna Zděnková）是一名倉庫管理員的女兒，是位賢妻良母且善良勤奮的女人，對於孩子的教育、丈夫的事業，一向極為關注。安東尼是他們第一個兒子，在安東尼之後，還有8個弟弟陸續出世。
按照當時的習俗，德弗札克一家既然以販售肉品為主，那麼德弗札克身為長子，也就註定他必須要繼承肉舖的家業。由於小時候並沒有太多機會接受正式教育，幾乎是接近全文盲的程度，所以經營肉舖，似乎成為德弗札克必然的人生之路。於是他在13歲時，就先被送到舅舅家裡，先學會切肉、剁肉與各種不同肉品的分類處理。兩年後，德弗札克順利通過工會考試，取得在波希米亞販售肉品的經營許可證書，他的雙親與家族為此大為高興，更感謝上帝賜給他一個很好的謀生工具。
 
然而家族遺傳下來的音樂基因，卻讓小德弗札克心中有個完全不一樣的想法。他在6歲就讀小學的時候，第一次接觸了小提琴，已經顯露出音樂才華，之後在家裡的客棧也常公開演奏娛眾。1853年時他曾到茲洛尼斯學習德語，當時德語仍是波希米亞的通用語文，也是工作與生活的必備技能。但在學德語之餘，德弗札克卻跟隨德語老師李曼（Antonín Liehmann）到教堂唱詩班學習鋼琴和管風琴演奏。在學會管風琴之後，德弗札克有時也會到教堂等處幫忙演奏管風琴，補貼家用。他還在李曼所指揮的樂團中參與演奏，並且開始學習作曲。
對於音樂，德弗札克努力學習，在14歲就已經會唱歌以及管風琴、鋼琴和小提琴等樂器演奏了，也加入了村莊假日為婚禮演奏的管絃樂隊。然而父親對他繼承祖業深為期待，希望他有好的機會能改善生活，根本不願他將心力貫注在音樂上，因此多所阻撓。為了拿出一點成績給父親看，讓父親改變初衷，德弗札克在15歲時創作了一首管絃樂曲，準備呈獻給父親。老德弗札克知道這件事後極為興奮，把客棧的餐廳佈置成一個演奏會場，並且廣為號召，讓鎮上的人都聚集過來，大家都期待著這位少年的演奏。當德弗札克抵達會場時，一組小型管絃樂團已就定位，他很得意的對大家說:「今天我不是要拉小提琴，而是來指揮自己的管絃樂曲。」可是，當他拿起指揮棒，開始演奏不久，樂團就陷入混亂之中，儘管德弗札克拼命揮舞指揮棒，可是音樂仍呈現兵荒馬亂的狀態，而且卻越指揮越糟糕，在幾乎無法收拾的情況下，德弗札克尷尬的逃出會場。原來德弗札克還沒學過指揮，也不懂和聲學，以為指揮只要比手劃腳就好。由於這次的失敗，深感丟人現眼的父親，狂怒地命令德弗札克不准亂跑，留在家裏幫忙客棧和肉舖的生意。
但也因為這次刻骨銘心的教訓，激發德弗札克對於音樂學習更為發憤圖強。成名之後，他曾對此回憶道：「極為感謝當年的失敗，否則就沒有今天的我了。」
1856年秋天，德弗札克曾前往卡曼尼茲（Česká Kamenice）去進修德語。次年，父親終於同意讓他前往布拉格，並進入管風琴學校學習。管風琴學校的課程是以專門培養教會所需的樂手為主，但在管風琴演奏外，也教授理論與作曲，因而這所音樂學校成為，德弗札克踏上音樂家之路的墊腳石。由於父親的客棧生意不是很好，根本無法支付布拉格管風琴學校的學費，幸好舅舅出面，願意供給他求學費用，然而後來舅舅也面臨經濟上的困難，德弗札克只得在課餘時間在校外收學生教音樂演奏來支應。他有個心地善良的好同學本德勒（Karel Bendl），將樂譜借給德弗札克，並隨時讓他使用自己的鋼琴。在布拉格期間，德弗札克有機會參與更多的音樂活動，不時能聽到李斯特，以及克萊拉‧舒曼等名家的演奏會，激發他對音樂更高的興趣。
 
1859年，德弗札克以第二名的成績，畢業於布拉格管風琴學校。他本來很想在教堂裡謀得一個管風琴師的職位，但並未成功。於是從夏天開始，他就在卡爾‧康薩克（Karl Komzák）所領導的一組小型樂團裏當中提琴手，巡迴於咖啡館或公眾場合演奏樂曲集錦、序曲和舞曲。所得薪資很低，生活也極為艱苦，但德弗札克堅忍不拔，竟然就這樣撐過了11年。從20歲左右開始，德弗札克已經著手音樂創作，從目前能看到的這段時期的作品來判斷，他是依靠自學的方式來作曲，而且可以說是按部就班的，從開始的莫札特，經孟德爾頌和舒曼直到華格納，他都積極涉獵與仿效，而一開始的創作重點，他是放在絃樂五重奏和四重奏樂曲上。
康薩克的樂團於1862起，於新開的布拉格臨時劇院登臺演奏，頗受好評，於是長期駐演，又在1865年升級為歌劇樂團。在布拉格國家劇院落成之前，這座臨時劇院是第一所捷克語歌劇與戲劇演出的首選之地，很多捷克作曲家也喜歡將此地當成首演的勝地，像史麥塔納對臨時劇院就貢獻良多，其《勃蘭登堡人在波希米亞》和《被出賣的新嫁娘》都選在此地首演。同時史麥塔納也於1866年開始擔任歌劇樂團的指揮。
史麥塔納注意到德弗札克的才華，對他青睞有加。於是，德弗札克一面擔任劇院樂團的中提琴手，同時也投入史麥塔納門下學習音樂創作。史麥塔納波西米亞民謠風格的音樂深深影響了德弗札克，並激勵了他的信心。當德弗札克開始認真專職作曲時，史麥塔納也慷慨地將自己所有的偉大作曲家的傑作樂譜全都借給了他，德弗札克因此有更好的機會深入研究西歐古典樂派與浪漫樂派大師們的創作，廣泛吸取各種音樂知識與技藝，從而邁向自己創作之路，讓深植內心的祖國民族音樂花蕾能逐漸的綻放。
 
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Dvorak : Romance for Violin and Orchestra, Op.11
德弗札克《小提琴浪漫曲》
Tanja Sonc


Melanie Snider

 

 
 

伯恩斯坦是一個集指揮家、作曲家、演奏家、教育家、理論家於一身的藝術大師，其天分與造詣舉世推崇。他多才多藝，博學多聞，交友廣闊，活動力十足，對於當代音樂界的貢獻，世人眾所皆知。
在伯恩斯坦之前，美國的知名指揮都來自歐陸，像托斯卡尼尼、奧曼第、華爾特、馬勒等。伯恩斯坦這位天王級指揮可說彌補了美國人心中的缺憾。不但如此，他的音樂成就足可名列20世紀後半葉最重要的前五大指揮家之一。他在世時和另一位超級天王卡拉揚（Herbert von Karajan）簡直是古典音樂界的兩大天王，共同締造了音樂的新時代，但是兩個人個性南轅北轍，在樂壇上，也似乎只有伯恩斯坦，才有能量與熱度，可以融化卡拉揚不怒而威的帝王形象。
 
伯恩斯坦出書、上電視、製作兒童音樂節目，贏得世人無數的讚賞與榮耀。透過他馬不停蹄的推動美國在地音樂家如柯普蘭的傑作，才讓美國籍音樂家的作品在市場上打開知名度。更難能可貴的是，他本身就是一位優秀作曲家，作品風格多樣，涵蓋交響樂、管弦樂、芭蕾舞劇、合唱曲、歌劇、室內樂與鋼琴曲，乃至電影和戲劇音樂等，無所不包。跨界音樂作品更曾奪得美國電影最高榮譽奧斯卡金像獎，音樂最高榮譽葛萊美獎，以及舞台劇最高榮譽東尼獎等，藝術與流行在他身上，融合成一體，稱他是美國當代最偉大的音樂家之一，實不為過。
 

 

伯恩斯坦1966年在與維也納愛樂合作演出之後回美，新一輪樂季的表現，讓一向毒舌的紐約樂評界也不禁讚嘆在他身上所發生的氣質變化。48歲的伯恩斯坦的音樂演出，更為成熟也更為自信。然就在此際，伯恩斯坦外宣布1969年5月任期屆滿後，將不再與紐約愛樂續約，主要原因是他將試著重新分配工作份量，希望有更多時間可以進行作曲。
自離開紐約愛樂後，伯恩斯坦的下半生轉往歐洲發展，不過想要花多點時間作曲的願望，卻難以實現，因為他的演出邀約依舊絡繹不絕，以致作曲的時間對他來說，顯然難以企求。伯恩斯坦在歐洲最重要的伙伴，是與他一拍即合的維也納愛樂，雙方維持長久密切的關係。後來維也納愛樂甚至頒給伯恩斯坦「榮譽副同志」的特殊稱號，代表對他的尊榮。伯恩斯坦繼續活躍於全世界，也讓全球各地的許多管弦樂團，都願意和他保持聯繫，讓他的演出也散播到世界各地。1969年，伯恩斯坦因為對世界音樂作出了傑出貢獻，而被美國政府授予「桂冠指揮」的最高榮耀。
 
1972年，伯恩斯坦挑戰比才歌劇《卡門》的錄音，為此他找來當紅的演唱家瑪麗蓮‧霍恩（Marilyn Horne）卡門，詹姆斯‧麥克拉肯（James McCracken）飾演唐喬塞，並且選在大都會歌劇院上演這齣名劇。此劇是第一個採用立體聲效錄音的古典樂唱片之一，另個突破性做法，則是伯恩斯坦棄習見的在比才逝後由究羅德（Ernest Guiraud）改編的音樂宣敘調版本不用，回歸到比才生前所寫的口語對話版本。伯恩斯坦在著手準備灌錄前，原屬意仍由老東家CBS製作發行，不過因為經費過高，CBS終究拒絕了這個錄音計劃。伯恩斯坦轉而投向德意志唱片公司（DG）的懷抱，結果這個雙方的第一次合作，竟然贏得格萊美獎。根據《誰殺了古典音樂》一書的記載：「此後伯恩斯坦以DG為基地，製造出一張又一張賠錢唱片...。」讓音樂家自己擁有選定曲目的權力，是伯恩斯坦從1959年與CBS簽屬專屬錄音合約以來，一貫主張享有的特殊待遇。這種「想錄什麼就錄什麼」等於是一張可自行填寫金額的空白支票，史上除了伯恩斯坦，恐怕再無其他音樂家拿過這種999黃金打造的唱片合約。
 
伯恩斯坦的生活在1976年起了一次大變化，原因是他自認為無法再掩飾個人的同性戀傾向，於是決定離開妻子費莉西雅，跑去和一位作家湯姆‧寇昂（Tom Cothran）同居。然而就在次年，費莉西雅被確診罹患肺癌，聽到這個消息後的伯恩斯坦，趕緊回到妻子身邊，一直照顧她，直到費莉西雅於1978年6月16日病逝。湯姆‧寇昂後來則在1981年死於愛滋病。據許多消息指出，伯恩斯坦常常對妻子的病故感到極度內疚，他的生活方式變得沒有目標，行為也時常粗心大意。然而，伯恩斯坦無可動搖的公眾地位，以及在他許多好友的情誼支持下，他終能走出陰影，恢復繁忙的音樂活動。
伯恩斯坦不僅熱衷於古典音樂，更喜愛接觸各種新穎的不同文化。在1986年的生日當天，正在加州大學準備指揮一場古典音樂會的他，被問及生日願望時，伯恩斯坦毫不猶豫地說希望能夠與流行歌手麥克‧傑克遜（Michael Jackson）見面，並邀請他欣賞自己的音樂會。後來這兩位在他人安排下如願會面，一個是當時全世界知名的搖滾巨星，一個是當時最著名的古典音樂家，似乎也激發出音樂發展的無限可能性。
 
1989年12月25日，伯恩斯坦於東柏林的戲劇院指揮貝多芬的《第九號交響曲》，作為慶祝柏林圍牆倒塌的盛典之一。他前一天已在西柏林的愛樂音樂廳舉行過同一曲目的音樂會。這次音樂盛事透過現場實況轉播，同步送到20個國家，估計觀眾超過1億人。在演出前一刻，伯恩斯坦決定將樂曲中的《歡樂頌》裡，席勒原本寫的德文歌詞「喜悅」（Freude）以「自由」（Freiheit）來替代，等於讓此曲變成了《自由頌》，以此獻給奮鬥取得自由的德國人民。對此，伯恩斯坦也補充說道：「我肯定，貝多芬會也會為我們的做法而喝采。」
 
晚年的伯恩斯坦深受疾病所困擾，儘管如此，他仍持續不斷努力的從事教學和指揮演出，因為他向來認為工作才是最好的治療。在1990年的夏天，他和另位指揮家邁可‧提爾森‧湯瑪斯（Michael Tilson Thomas，現任舊金山交響樂團音樂總監）一起在日本札幌創辦了太平洋音樂節，活動內容就像他早年在洛杉磯以及在檀格塢所曾進行至今的，是一個夏季的音樂家培訓園地。這時的伯恩斯坦已自知罹患致命的肺疾，但他仍親自飛到日本主持開幕，在致詞中還宣稱將投入教育工作。
伯恩斯坦於1990年8月19日在檀格塢與波士頓交響管弦樂團，指揮他最後一場音樂會演出，接著在10月9日因為肺氣腫及心臟病住進醫院時同時宣佈退休，當時，不少美國報紙就刊載消息稱，伯恩斯坦退出表演舞臺將意味著「美國音樂史上最激動人心的篇章結束了。」沒想到一語成讖，5天後（10月14日）他就在醫院去世了，享年72歲。當逝世的消息公佈後，林肯中心升起了黑旗，百老匯的劇院也同時熄滅，以紀念這位充滿活力的美國本土音樂巨星。
 
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Bernstein - The Berlin Celebration Concert - Beethoven, Symphony No 9
伯恩斯坦柏林指揮演出貝多芬《第九號交響曲》
 

 
 

1957年，伯恩斯坦成為紐約愛樂交響樂團的第一位美國籍音樂總監，也成為土生土長美國人中，第一位獲得指揮國際級樂團殊榮的指揮家。起因是他在1956年又再度臨危授命，接替於巴黎空難喪生的逵多‧坎特利（Guido Cantelli）擔任紐約愛樂的指揮，由於互相搭配良好，又陸續指揮了好幾場音樂會。基於這個機緣，他終於應邀接替迪米特里‧米特羅普洛斯（Dimitri Mitropoulos），出任紐約愛樂的音樂總監。
 
當他得到這項殊榮之後，透過電視音樂會的形式舉辦音樂知識系列講座，不斷致力於推廣管弦樂藝術給社會大眾，結果大為轟動！不僅節目的收視率居高不下，就連音樂會門票也經常銷售一空，可說是伯恩斯坦成功地將普羅大眾引領進入音樂廳的最佳典範。除了繁忙的樂團演出之外，伯恩斯坦對寫作也有濃厚的興趣，他將主持的電視節目和講座內容，集合成冊出版了《音樂的樂趣》(The Joy of Music)，後來又陸續出版了《音樂的無窮變化》(The Infinite Variety of Music)」和《沒有答案的問題》(The Unanswered Question)等書，都是深入淺出的音樂書籍。他還和樂團拍攝了系列電視節目《年輕人的音樂會》（Young People's Concerts），前後共53集，為古典音樂在年輕人族群間的推廣，具有積極正面的作用。
伯恩斯坦拍攝電視節目
 
伯恩斯坦與紐約愛樂在1960年舉辦了「馬勒音樂節」，以紀念馬勒誕生100週年。（馬勒生平請參見本部落格2012年7月音月星）除伯恩斯坦，華爾特與米特羅普洛斯也應邀擔任指揮的工作。馬勒的遺孀艾瑪（Alma）也曾出席觀看伯恩斯坦的排練。伯恩斯坦在1960這一年也開始進行第一個馬勒作品的商業錄音，亦即馬勒的《第四交響曲》，而在接下來的7年裡，他又再接再厲，竟然完成了馬勒全部9首交響曲的演出錄音，其中除《第八交響曲》是1966年與倫敦交響樂團在倫敦皇家阿爾伯特音樂廳合作演出之外，其它8首通通是與紐約愛樂樂團一起完成。
 
伯恩斯坦這一連串的舉動，讓同為猶太裔作曲家馬勒的音樂在20世紀後半葉忽然成為主流，且為觀眾所接受，成為古典音樂界的曠世巨人。在伯恩斯坦之前，並非沒有指揮家願意演奏馬勒的交響樂作品，比如謝爾罕、萊恩斯朵夫、克倫培勒、華爾特、甚至是福特萬格勒等人，他們都在馬勒生前曾與他見面或熟識，且在馬勒去世後也曾在音樂會演出其作品或唱片錄音。但馬勒始終都不算是古典音樂圈名列前茅的主流作曲家，他遠遠比不上莫札特、貝多芬、柴可夫斯基等人。