築樂集室內樂團

 
 

康塔塔（清唱劇，Cantata）是一種包括獨唱、重唱、合唱的聲樂套曲，一般包含一個以上的樂章，大都有管弦樂伴奏。
Cantata一字來自於義大利文Cantare，意為「歌唱」，後來英文與其他西方語文也繼續延伸使用這個字。嚴格來說，Cantata 是「演唱的歌曲」，與「演奏的歌曲」－Sonata （奏鳴曲）相對，因此Cantata與Sonata可分別用來指音樂的兩種形式，即聲樂和器樂。
一首典型的清唱劇往往以序曲或者合唱開頭，並以合唱結尾，中間穿插著帶有伴奏的宣敘調，獨唱或者重唱的詠嘆調以及不同規模的合唱。所以在清唱劇中不只有合唱，獨唱和重唱往往也占有非常重要的地位。
而宗教性的清唱劇一般比敘事性的神劇（Oratorio）規模來的小，內容則偏重抒情或論述。世俗清唱劇則包羅萬象。
 
16世紀-17世紀：義大利
16世紀義大利音樂以聲樂為主，到了17世紀器樂開始崛起，並發展出奏鳴曲的形式，與之相對的聲樂表演形式也開始被稱為康塔塔（清唱劇）。
其實康塔塔（清唱劇）最早在義大利出現時，指的是一種單聲部或二聲部並帶有伴奏的世俗聲樂套曲，其中常有互相穿插並形成對比的朗誦式詠嘆調和宣敘調所共同組成，和牧歌一樣，主題是田園，愛情等等。這種義大利式的世俗清唱劇在風格上近似於後來的歌劇，純粹在音樂會上演出，早期都是獨唱的，以魯特琴或通奏低音伴奏，後來逐漸發展成多聲部的形式。這種一至兩個聲部的室內清唱劇，在17世紀中葉一直到18世紀後期，在義大利一直很受歡迎。後來基亞科莫‧卡里希米（Giacomo Carissimi）將康塔塔發展為宗教神劇，結果讓康塔塔出現新的型態，搖身一變成為於宗教場合演出的宗教清唱劇。
基亞科莫‧卡里希米
 
這一時期最著名的清唱劇作曲家莫過於義大利的皮特洛‧亞歷山大‧斯卡拉蒂（Pietro Alessandro Gaspare Scarlatti），他主要的作品多為獨唱加低音伴奏的清唱劇，共有600首之多，此外還有獨唱和其他樂器組合的60餘首，以及一些兩聲部的室內清唱劇。
皮特洛‧亞歷山大‧斯卡拉蒂
 
17世紀-18世紀：德國
17世紀中葉，法國、德國與英國作曲家們都開始仿效而創作康塔塔，這時在為宗教性演出的清唱劇樂曲逐漸受到歡迎，樂曲品質也更加精緻。最突出的發展是在德國產生了德國式的宗教清唱劇。這種清唱劇一定程度上有別於義大利世俗和宗教清唱劇的發展型態，並且在巴哈的時代達到了最高峰。
德國的宗教清唱劇之所以能長足發展的主因，是馬丁‧路德推行宗教改革後所開創的眾讚歌的音樂傳統，眾讚歌在宗教性康塔塔的發展上起了關鍵性的作用。戴特希‧布克斯特胡德（Dieterich Buxtehude）、約翰‧帕海貝爾（Johann Pachelbel）都曾經創作過此種類型的宗教清唱劇。
 
不過讓康塔塔發揚光大的還是非巴哈莫屬，他創作的宗教性康塔塔現存於世者有二百餘首，其他另有幾十首世俗性康塔塔。巴哈的早期宗教清唱劇，如按照更早的傳統，應稱為「經文歌」或「協奏曲」，其中合唱和重唱佔據主導地位，著名的代表有第4清唱劇《耶穌躺在枯骨堆中》（或譯作《基督背負死亡枷鎖》）。可以聽到巴哈使用了同名眾讚歌作為基礎，並將每一句歌詞都作為其中一個樂章的主題，進行變奏式演出。
巴哈在創作成熟期所寫的一百多首清唱劇，展示了德國式宗教清唱劇的幾種典型結構，在這些結構中，清唱劇的中段一般都是由包含對比主題的獨唱詠嘆調，宣敘調，重唱以及合唱所構成。大部分的清唱劇的首尾段落，會出現聖經當中的詞句或是眾讚歌作為歌詞的合唱，部分清唱劇結尾則使用所有會眾共同參與的眾贊合唱，還有一些清唱劇在開場合唱之前還有序曲。
巴哈的創作比起前人，更家突顯了獨唱在清唱劇中的角色，他大量使用獨唱的返始詠嘆調，甚至創作了獨唱清唱劇，例如第82清唱劇「我厭倦了」。眾讚歌在清唱劇中的作用也同樣重要。可以說，巴哈的創作是清唱劇的高峰，現在我們所能演奏傳唱的清唱劇主要也都是他的作品，儘管在他的時代，創作產量更多的喬治‧菲利普‧泰勒曼（Georg Philipp Telemann），「就像別人寫一封信一樣輕易」的不停地創作過2000多首清唱劇，但是那些如同流水帳一般的作品，如今大多已被束之高閣，只是音樂史學者們和好奇的音樂愛好者的研究對象，很難在出現公開場合，迴響在人們的耳朵與心田間了。
 
19世紀-20世紀：巴哈之後

19世紀之後，隨著樂隊規模的擴大，宗教題材的清唱劇與神劇的界限慢慢地變得越來越模糊，同時大量的世俗清唱劇出現，也大大豐富了清唱劇的創作題材和形式，讓界定清唱劇變得更加困難。
巴哈之後的著名清唱劇還有貝多芬的《悼念約瑟夫皇帝清唱劇》，巴托克‧貝拉·維克托‧亞諾什（Bartók Béla Viktor János）的《世俗清唱劇》（Cantata Profana），卡爾‧奧夫（Carl Orff）的《布蘭詩歌》（Carmina Burana英文為 Songs of Beuren）等等。
還有一些作品雖然叫做神劇，但也可以歸入清唱劇的範疇，例如威廉‧特納‧華爾頓（William Turner Walton）於1931年根據聖經但以理書部份內容而創作的《伯沙撒王的宴會》；而另一些作品雖然名稱是清唱劇，但是卻不再符合巴哈為典範的清唱劇形式，例如史特拉汶斯基的《清唱劇》，他使用了兩位獨唱，女聲合唱和六件樂器。
 

 
 

巴沙加亞（Passacaglia）為義大利文，法文為Passecaille，皆來自西班牙文Pasacalle一字，意為「街頭歌曲」；而Pasacalle則又是由兩個單字所組成--pasar (行走)與 calle (街道)，由此可看出其中原始的意涵，就是街頭歌舞的型態。
 
其實巴沙加亞舞曲的確是17世紀時運用鍵盤樂器所伴奏的一種舞蹈，舞蹈形式徐緩而莊重。後來才逐漸演變成一種變奏型的樂曲，其主題不斷重複，也保留了原本舞曲中莊重的特點。儘管字源來自西班牙文，但目前所知最早的巴沙加亞舞曲卻是出現在義大利，年代是1606年。巴沙加亞到了1620年代末期，由義大利作曲家吉羅拉莫‧弗雷斯科巴爾迪（Girolamo Frescobaldi）重新整定，成為通過一套可以變化的低音構成一系列連續變換的樂曲，之後的作曲家都繼續沿用此種形式。
 
巴沙加亞與夏空（Chaconne）極為相似，而在巴哈、韓德爾前後時期的作曲家，對於這兩者也往往未加區別。到了近代，則將具有固定低音（Basso ostinato）的曲式稱為巴沙加亞（如巴哈的《C小調巴沙加亞舞曲》），其它較不嚴格者稱為夏空（如巴哈的小提琴曲《夏空》）。巴沙加亞與夏空在正常情況下，一般都是3拍子，2、4或8小節的完整樂句，每句句末都有完整收束。法國作曲家常使用迴旋曲形式寫巴沙加亞，使其與一系列不同樂句輪流出現。德國作曲家則偏好以變奏曲形式寫巴沙加亞。
 

李斯特音樂學院（The Franz Liszt Academy of Music，匈牙利文則為Liszt Ferenc Zeneművészeti Egyetem），是位於匈牙利首都布達佩斯的全球知名音樂高等學府與遠近馳名的音樂廳，由名作曲家兼鋼琴家李斯特（Franz Liszt）於1875年11月4日創辦，李斯特本人當然義不容辭的擔任第一任校長。此地可說是關於李斯特各項藏品的大本營，所蒐集的貴重文物包括李斯特的手稿與藏書，皆是李斯特去世後捐贈給音樂學院的無價之寶。
音樂學院以李斯特的大名作為校名其實是1925年之後的事。在創辦之初本來命名為國立匈牙利皇家音樂學院，到了一次大戰後由於匈牙利皇室統治結束，因此從1919年至1925年則只稱為音樂學院，後來為了紀念李斯特，才又改以李斯特為校名。
起初，音樂學院是興辦在李斯特自己的家中，後來遷移至一棟在1879年完工的新文藝復興風格的三層樓建築（位於今日的安德拉西街Andrássy street）。那棟建築現被匈牙利人稱為「舊音樂學院」，而在歷經幾次轉手之後，建築物在1980年代又由音樂學院購回，並在該處成立李斯特紀念館暨研究中心，成為布達佩斯的一大觀光景點。

李斯特紀念館

查爾達什（Czardas）舞曲也稱恰爾達什（ Csardas）舞曲，是19世紀中葉的一種在匈牙利廣為流行的民間舞蹈，後來隨著奧匈帝國的勢力流傳到各地，在斯洛伐克、斯洛凡尼亞、克羅埃西亞、摩拉維亞與白俄羅斯都廣受歡迎。而查爾達什最早則可再溯源自18世紀一種稱為弗邦科什（Verbunkos）的舞蹈，據稱是匈牙利軍隊用來招募新兵時的舞蹈。
查爾達什主要由兩部分組成，前半部分叫「拉紹」（Lassau），意思是緩慢，2/4或4/8拍子，它主要是男子獨舞時出場的音樂，速度徐緩而富於歌唱性；後半部分則叫「弗里斯」（Friss），意思是新鮮，2/4拍，這一段的舞曲節奏鮮明，速度迅疾而氣氛熱烈，用來伴奏男女雙人舞。


                                 查爾達什舞蹈演出實況

小步舞曲（Minuet）起源於法國鄉間，據傳源自法國民間的普瓦圖布朗萊舞(Branle de Poitou)。Minuet這個字就是法文「小」的意思，這種舞蹈伴以3/4拍，中庸速度的舞曲，而且要以小小的舞步來優雅地舞動，講究端莊、優雅，因此譯為「小步舞曲」。

因為小步舞曲速度不太快，可以在跳舞時表現各種禮儀，極適合在官式場合與正式舞會上使用，所以從路易十四時代開始，在法國的宮廷中流行開來，後來傳遍歐洲各國的上流社會，搖身一變成為十八世紀歐洲上流社會流行的正式舞蹈。約在1650∼1750年間襲捲並主宰了歐洲貴族的宴會與舞廳，尤以法國、英國最甚。宮廷小步舞採用小步，速度放慢，講究禮儀，極為壯觀。舞蹈者按階級地位高低為序，在過程中常可表演多種經過精心設計的花樣或圖案，並於起舞前向舞伴和觀眾行屈膝禮或鞠躬。基本的地面圖案最初為「8」字形，後為「Z」字形。
小步舞曲最早在1650年左右就出現在音樂作品中，不久就被專業作曲家採用，盧利開始用於組曲中，成為可供選用的一個樂章，它也曾出現在巴哈和韓德爾的序曲中。到了十八世紀後半葉，華根賽爾、史塔密茲、海頓和莫札特等作曲家，把小步舞曲放進交響曲和奏鳴曲中，正式讓小步舞曲脫離了舞蹈功能，成為純粹的音樂作品。在巴洛克時期的許多器樂組曲與芭蕾舞曲更是經常現身，一向是古典奏鳴曲與交響曲中的重要組成部分。而在貝多芬的音樂中，由於採用更快的速度及喧鬧嬉戲的風格，小步舞曲才逐步由詼諧曲取代。
比較著名的小步舞曲作品，除了包凱里尼的《E大調小步舞曲》之外，還有海頓寫入的奏鳴曲第三樂章，以及貝多芬的《小步舞曲六首》和莫札特的《D大調第十七嬉遊曲》的第三樂章等。
小步舞曲的樂曲組成通常呈複三段式（小步舞曲－中段－小步舞曲），開始的主題在均勻的伴奏音型襯托下，採用繁複的切分音節奏，與起伏跳躍的旋律進行，活潑詼諧，輕盈靈巧。中段（是一個呈對比性的小步舞，亦稱「三聲部」，因為有些法國作曲家將此段寫成三聲部和聲，或只用三個演奏者）由開始的八小節第一主題反覆後，發展到第二主題。頓音演奏法的跳躍感與伴奏間的節奏，增強了輕鬆活潑的氣氛。最後樂曲再度出現第一部分後結束。